ARTE EN MADRID

 

Bienvenido a Arte en Madrid, el blog de Artis Estudio:

 

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jue

26

nov

2015

El genio de Ingres

La gran Odalisca,  Jean-Auguste-Dominique Ingres,  Óleo sobre lienzo, 91 x 162 cm,  1814,  París, Musée du Louvre
La gran Odalisca, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Óleo sobre lienzo, 91 x 162 cm, 1814, París, Musée du Louvre

Ingres

Del 24 de noviembre de 2015 al 26 de marzo de 2016


Esta semana ha arrancado en Madrid una de las exposiciones, sin duda, de la temporada. La obra de Ingres, anclada en el academicismo sólo aparentemente, constituye sin duda un jalón esencial hacia las revoluciones artísticas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Descendiente de Rafael y de Poussin, su obra es a la vez anunciadora de Picasso y de las distorsiones anatómicas; inspirando la renovación de las escuelas europeas del siglo XIX, especialmente de la española.


La exposición presenta un desarrollo cronológico preciso de la obra de Ingres y atiende de manera muy específica su compleja relación con el arte del retrato, construida a través del rechazo y de la admiración, y que se confronta con su ambición constante por ser reconocido, en primer lugar, como un pintor de Historia.


La exposición reúne 70 obras que recorren todas las etapas y estilos que cultivó el pintor, desde la recreación de los mitos clásicos en su juventud hasta el retrato de madurez, pasando por el clasicismo, las pinturas de la clase social noble y de las damas, etcétera. Fuente y más información: Museo del Prado

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dom

01

nov

2015

El mítico Far West

Charles Ferdinand Wimar El rastro perdido c. 1856 Óleo sobre lienzo. 49,5 x 77,5 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Charles Ferdinand Wimar El rastro perdido c. 1856 Óleo sobre lienzo. 49,5 x 77,5 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

La ilusión del Lejano Oeste

Del 3 de noviembre de 2015 al 7 de febrero de 2016


El Museo Thyssen-Bornemisza presenta una exposición que propone, por primera vez en España, seguir los pasos de los artistas que en el siglo XIX se adentraron en los territorios del Oeste norteamericano, asumiendo el reto de mostrar sus paisajes, desconocidos y exóticos, y de representar las formas de vida de los indios americanos que desaparecían ante sus ojos por efecto de un programa ideológico, político, militar y colonizador.

Estos artistas contribuyeron a crear desde muy pronto una “ilusión” del Lejano Oeste, combinando el entusiasmo romántico y la admiración genuina con los tópicos, prejuicios y expectativas que enturbiaban la mirada del hombre blanco; una imagen que en adelante se convertiría en el mito del indio salvaje, viviendo en las praderas en comunión con la naturaleza, muy alejado de la visión que el cine popularizaría años más tarde y que estuvo centrada en mostrar el punto de vista de los ocupantes y las fatigas y peligros a los que tuvieron que enfrentarse.

A través de una selección de pinturas y fotografías de artistas como Karl Bodmer, George Catlin, Henry Lewis, Albert Bierstadt, Edward S. Curtis o Carleton E. Watkins, entre otros, la exposición presenta este apasionante capítulo, poco conocido aquí, de la historia del arte.

Algunos de los lienzos pertenecen a la propia colección permanente del Museo, la única en España con obra de estos pintores, reflejo de la pasión del barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza por las narraciones literarias, cinematográficas y artísticas sobre el Oeste.Fuente y más información: Museo Thyssen-Bornemisza

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mar

15

sep

2015

Bonnard, profeta desconocido

Pierre Bonnard Desnudo en un interior, hacia 1935 Óleo sobre lienzo, 134 × 69,2 cm Washington, National Gallery of Art Image courtesy of the National Gallery of Art, Washington © VEGAP, 2015.
Pierre Bonnard Desnudo en un interior, hacia 1935 Óleo sobre lienzo, 134 × 69,2 cm Washington, National Gallery of Art Image courtesy of the National Gallery of Art, Washington © VEGAP, 2015.

Bonnard

Del 19 de septiembre de 2015 al 10 de enero de 2016


Pierre Bonnard (1867-1947) fue una figura decisiva en torno al nacimiento del arte moderno y, a la vez, un artista cuya producción, profundamente personal, es difícilmente clasificable. Miembro fundador del grupo simbolista de los nabis, sus aportaciones resultan fundamentales para comprender la transición entre el post-impresionismo y el simbolismo, en un momento en el que la pintura estaba sufriendo una revolución radical a través del color.


Esta muestra es la primera retrospectiva que se realiza en España sobre la obra de Pierre Bonnard en más de treinta años. La muestra presentará alrededor de ochenta pinturas, una docena de dibujos y medio centenar de fotografías –en su mayoría nunca vistas en nuestro país.


La exposición ha sido organizada por el Musée d’Orsay, París, FUNDACIÓN MAPFRE, Madrid, y los Fine Arts Museums of San Francisco. Fuente y más información: Fundación Mapfre

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mar

01

sep

2015

Arte versus Moda

Vogue like a painting

Hasta el 12 de octubre de 2015


La exposición Vogue like a painting explora la relación entre la creación fotográfica de moda y la pintura a través de una selección de fotografías procedentes de los archivos de la revista Vogue.

Realizadas por los grandes nombres de la fotografía clásica de moda y los más destacados fotógrafos de las últimas décadas, estas imágenes possen características que tradicionalmente se atribuyen a la pintura. De algún modo, todas ellas reflejan recursos frecuentemente utilizados por los pintores: la teatralidad de los escenarios, el drama del claroscuro, los cuidados esquemas compositivos y un acento especial en la belleza de las figuras, las poses y los decorados.

Para Debra Smith, comisaria de la exposición, el hilo conductor es una suerte de ralentización: "Una atemporalidad en la pose de las modelos: una especie de lapso mental en el que todo está muy, muy quieto". Fuente y más información: Museo Thyssen

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lun

23

feb

2015

El Raoul Dufy más personal

Raoul Dufy

Desde el 17 de febrero hasta el 17 de mayo.


Desde hace unos días se puede visitar esta exposición sobre la obra de Raoul Dufy, cuya figura ha sido objeto de una creciente revalorización en los últimos años.

En 2003, coincidiendo con el cincuenta aniversario de su muerte, se celebraron varias grandes retrospectivas y por las mismas fechas el Museo Thyssen-Bornemisza incorporó a sus salas cuatro obras del artista francés pertenecientes a la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. Sin embargo, su presencia en España ha sido muy escasa.

En 2015 y con la colaboración de la Comunidad de Madrid, el Museo propone una relectura de su obra centrada no sólo en su vertiente hedonista, como pintor de los placeres de la vida moderna, sino, y sobre todo, en su faceta más introspectiva, reflexiva y personal.

Para destacar este aspecto, Juan Ángel López-Manzanares, comisario de la muestra y conservador del Museo Thyssen, ahonda en cuestiones poco estudiadas de su producción, como el progresivo alejamiento del punto de vista en sus obras, la síntesis de lo cotidiano con lo pastoral, el distanciamiento sentimental de sus paisajes y la importancia, cada vez mayor en sus obras finales, de ámbitos privados del artista.

Asimismo, la exposición muestra por vez primera los dibujos preparatorios que Dufy realizó para el Bestiario de Apollinaire, junto a varios de sus grabados. Fuente y más información: Museo Thyssen-Bornemisza

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lun

26

ene

2015

El romanticismo de Pérez Villaamil

La Torre del Oro
La Torre del Oro

Vistas monumentales de ciudades españolas. El pintor romántico Genaro Pérez Villaamil

Hasta 6 de septiembre de 2015


Se trata de un conjunto inédito, pintado entre 1835 y 1839, formado por 42 vistas pintadas sobre soportes de hojalata organizadas, por el propio artista, en un díptico de hojas simétricas rematadas en sobrias arquivoltas ojivales sobre columnas. Por su concepción y carácter, se trata de un conjunto único en su género en el Romanticismo español.

Las vistas son testimonios excepcionales de su trabajo del natural en la técnica del óleo, que habitualmente utilizaba solo en su estudio. Muestran la habilidad del artista en la representación de exteriores e interiores arquitectónicos algunos de los cuales, ya en ruinas, desaparecerían después. También, la destreza en el trabajo directo al óleo con el pincel sobre la hojalata, con una superposición de capas muy diluidas de pintura y un toque final con pigmentos que resaltan los efectos de la luz sobre las ricas ornamentaciones mudéjares y góticas, los estilos que predominan en las vistas.


Suponen un ensayo de su amplia dedicación posterior a la representación de monumentos, que le llevó a asumir la dirección artística de la España artística y monumental (1842-1850), proyecto editorial para cuyas litografías proporcionó dibujos y acuarelas muy relacionados en sus encuadres con algunas de estas obras, según revelan los ejemplos de los libros en la exposición. Fuente y más información: Museo del Prado.

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dom

14

dic

2014

El impresionismo conquista Estados Unidos

Dos mujeres dormidas en una barca bajo los sauces, J. Singer Sargent, c. 1887
Dos mujeres dormidas en una barca bajo los sauces, J. Singer Sargent, c. 1887

Impresionismo americano.

Hasta 1 de febrero 2015


El Museo Thyssen-Bornemisza presenta la primera exposición en España dedicada a la expansión del impresionismo en Estados Unidos. Comisariada por Katherine Bourguignon, conservadora de la Terra Foundation for American Art y especialista en arte francés y americano de finales del siglo XIX y principios del XX, la muestra, que ya ha sido presentada en el musée des impressionnismes de Giverny y las National Galleries of Scotland de Edimburgo, rastrea a través de casi ochenta pinturas el modo en que los artistas norteamericanos descubrieron el impresionismo en las décadas de 1880 y 1890 y su desarrollo posterior, en torno a 1900.


En 1886 la primera gran exposición de arte impresionista francés, organizada por el marchante Durand- Ruel, abrió sus puertas en Nueva York. Aunque artistas como Mary Cassatt y John Singer Sargent llevaran algunos años viviendo y exponiendo en Francia y tuvieran una relación muy estrecha con pintores como Degas o Monet, hubo que esperar hasta esta muestra para que los norteamericanos comenzaran a hacer uso de la nueva pincelada, los colores brillantes y los temas modernos del movimiento francés, y se animaran incluso a viajar a París para ampliar sus conocimientos sobre este fenómeno artístico, que luego adaptarían al gusto norteamericano.

Fuente y más información: Museo Thyssen-Bornemisza

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dom

07

dic

2014

Madrid, según Goya

La cometa, Francisco de Goya, 1777-1778
La cometa, Francisco de Goya, 1777-1778

Goya en Madrid

Hasta 3 de mayo 2015

 

Goya llegó a Madrid en enero de 1775 para colaborar, bajo la dirección de Anton Raphael Mengs, primer pintor de cámara y director artístico de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, en el proyecto de los cartones de tapices destinados a los Sitios Reales. Pero su reconocimiento en la Corte no llegó hasta once años después, cuando fue nombrado pintor del rey en 1786, y luego con su nombramiento como primer pintor de cámara, compartido con Maella, en 1799.

 

El artista recibió siete encargos de cartones, en cuyas composiciones reflejó la diversidad del pueblo en escenas llenas de alegría y animadas por las diversiones, los juegos, los niños y las fiestas, pero también de violencia, engaños y tristeza, donde el deseo y la seducción actúan como trasfondo de la vida. Goya consigue una gran variedad de sentimientos por su extraordinaria capacidad para captar la riqueza de los tipos humanos, los diferentes atuendos masculinos y femeninos y la sugerencia de infinitas situaciones.

 

En esta exposición se conjugan los cartones de Goya con los de otros artistas y se exhiben pinturas y esculturas que le sirvieron de modelo para sus creaciones llenas de novedades. Unos cartones de tapices, que Goya no concibió como pintura secundaria sino como invención metafórica de la sociedad, encontrando en ellos el camino de creaciones posteriores con las que alcanzó la fama, como los aguafuertes de los Caprichos.

Fuente y más información: Museo del Prado

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sáb

25

oct

2014

Depero o el futurismo total

Depero futurista (1913-1950).

Hasta el 18 de enero de 2015.


La Fundación Juan March presenta la exposición Depero futurista (1913-1950), dedicada a la obra y la figura de Fortunato Depero (Fondo, provincia de Trento, 1892-Rovereto, 1960) a través de las cuales quiere plantear una visión renovada de la que ha sido llamada "la Vanguardia de las vanguardias": el futurismo italiano.

El movimiento plástico y literario cuyo pistoletazo de salida fuera el manifiesto publicado por Filippo Tommaso Marinetti el 20 de febrero de 1909 en el periódico parisino Le Figaro ha pasado a la historia por la radicalidad de sus propuestas: abolir todo enfoque tradicional del arte del pasado (considerado puro "passatismo"), glorificar el dinamismo, la máquina, la velocidad y la guerra, liberar a las palabras de la gramática y multiplicar los puntos de vista para expresar la interacción dinámica de la materia con el espacio circundante. Los efervescentes años fundacionales del movimiento, entre 1909 y 1915, supusieron, efectivamente, una novedosa y dinámica contribución a la plástica y la literatura europeas, marcada finalmente por la primera guerra mundial, que supuso una cesura por la entrada en combate de muchos futuristas y la muerte de Umberto Boccioni, entre otros.


Fortunato Depero, por su parte, había viajado a Roma ya en 1913 y conocido a Marinetti. Allí visitaría la exposición de Boccioni en la Galería Sprovieri, y el contacto con la obra de éste y de Giacomo Balla provocaría un cambio radical en su producción artística: de Boccioni tomó el dinamismo plástico y de Balla la tensión producida por la abstracción de las formas. En la primavera de 1915 Depero fue oficialmente admitido en el movimiento futurista.


Fortunato Depero y Giacomo Balla firman, el 11 de marzo de 1915, el manifiesto Ricostruzione futurista dell'universo (Reconstrucción futurista del Universo) –uno de los hitos más importantes en la evolución de la estética futurista– en el que proponen la globalización de las artes y la fusión del arte la vida cotidiana. Y, de hecho, el propio Fortunato Depero fue mucho más que un pintor que abrazara con entusiasmo el credo futurista y dejase atrás sus primeros pasos en la pintura, de clara raíz simbolista. Fue un artista constructor de todo un universo futurista, un artista polifacético, multimedial, total y global: fue incansablemente pintor, escultor, dramaturgo y escenógrafo, escritor, poeta, ensayista, diseñador gráfico de publicidad comercial, de pabellones de ferias, de libros, revistas y logotipos comerciales, creador de juguetes y tapices, empresario cultural –creador de uno de los primeros museos de artista del mundo, la Casa d'Arte Futurista Depero en Rovereto– e inventor de uno de los primeros libros de artista de la historia, el célebre libro "atornillado". Depero abandonó Italia en 1928 para conquistar Nueva York, a la que llamó "nuova Babele" y en la que vivió y trabajó entre 1929 y 1931, y a la que volvería en 1948. Depero es, sin duda, un artista enormemente contemporáneo, verdadero precursor de una serie de rasgos tan propios del artista actual como el arte concebido como trabajo multimedial y colectivo, la necesaria "autopublicidad" del artista en los medios o la práctica del diseño gráfico, entre otros.


Depero futurista (1913-1950) pretende mostrar, a través de casi 300 piezas procedentes de instituciones y colecciones internacionales, publicas y privadas, la obra de Depero en su totalidad: mostrar el "Tutto Depero", como tituló el artista uno de los últimos balances personales de su obra. Fuente y más informacion: Fundación Juan March

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vie

26

sep

2014

Sorolla desconocido

Thomas Fortune Ryan, 1913 © Virginia Historical Society
Thomas Fortune Ryan, 1913 © Virginia Historical Society

Este fin de semana queda inaugurada la nueva temporada de exposiciones en Madrid, y para los que echaban de menos nuestro blog con recomendaciones para deleitarse e inspirarse con el arte en la capital es sin duda una de las noticias de septiembre.

Y no habría mejor manera de comenzar el curso que con un peso pesado de la pintura española e internacional: el gran maestro Joaquín Sorolla.

 

 

 

 

Sorolla y Estados Unidos

Del 26 de septiembre al 11 de enero de 2015

 

Joaquín Sorolla es uno de los grandes nombres de la pintura española del siglo XX y una de sus referencias obligadas. Es el creador de una de las imágenes más rotundas y exultantes de la España luminosa y mediterránea, optimista y moderna. Esta exposición descubre al Sorolla cosmopolita que conquistó el escenario norteamericano, al pintor que supo proyectar el arte español en Estados Unidos, cuyos grandes museos y coleccionistas privados adquirieron buena parte de las obras más destacadas y representativas de la época de plenitud del pintor.

 

En 1909, cuando Sorolla ya había alcanzado todos los grandes premios y honores a los que un pintor español de su época podía aspirar, realiza, con un éxito sin precedentes, su primera exposición en Nueva York, en la Hispanic Society of America. Bajo el patrocinio de esta institución, presenta sus obras a continuación en Boston y Búfalo. Dos años después, este mismo triunfo se repite en Chicago y San Luis. Sorolla sedujo a los estadounidenses con sus escenas de playa bañadas por el sol mediterráneo, con sus jardines españoles y sus elegantes retratos.

 

Construyendo la historia de este extraordinario triunfo, la exposición muestra préstamos excepcionales de, entre otras, las siguientes instituciones: The Hispanic Society of America, The Metropolitan Museum of Art, Brooklyn Museum, The Morgan Library, Nueva York; Museum of Fine Arts, Boston; The Art Institute of Chicago; Philadelphia Museum of Art, Filadelfia; Mildred Lane Kemper Art Museum, Saint Louis Art Museum, San Luis; Meadows Museum, Dallas; San Diego Museum of Art; The J. Paul Getty Museum, Los Ángeles; Museo Sorolla, Madrid. Presenta al mejor Sorolla, al Sorolla maduro que ha alcanzado las máximas cotas de refinamiento, a la vez que profundiza en la enorme proyección internacional del artista. Fuente: Fundación Mapfre.

Más información: Fundación Mapfre

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mar

17

jun

2014

El maestro Le Corbusier

Le Corbusier. Un atlas de paisajes modernos

Hasta 12 de octubre de 2014

 

Arquitecto, urbanista, pintor, diseñador de interiores, escritor, editor, fotógrafo y cineasta aficionado. Reconocido en la actualidad como figura clave de la arquitectura del siglo XX, Le Corbusier fue un artista multidisciplinar que deslumbró por su fuerza creativa y por la libertad poco convencional de sus ideas.

La exposición pretende dar a conocer las múltiples facetas del arquitecto a través de una extensa colección de obras que muestran todas las dimensiones de su proceso artístico, y que siguen la trayectoria del arquitecto a lo largo de seis décadas en las que observó, imaginó y persiguió paisajes sin cesar: paisajes arquitectónicos, paisajes domésticos, paisajes en los objetos.

 

Exposición organizada por el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York con la colaboración de la Fondation Le Corbusier de París y producida por la Obra Social ”La Caixa”. Fuente: CaixaForum Madrid

Más información: CaixaForum Madrid

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mar

10

jun

2014

La explosión de la cultura popular

Mitos del Pop

Hasta 14 de septiembre de 2014

 

La aparición del pop art a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte. Su adscripción decidida a la nueva cultura de la tecnología y el consumo echaba por tierra los anhelos heroicos y subjetivos de las vanguardias anteriores y reintegraba el arte al mundo real.

 

Con el incesante intercambio entre el arte y todo tipo de objetos de la cultura visual y de la cultura popular, el pop acabó con la separación entre la "alta" y la "baja" cultura y abrió un nuevo debate sobre las relaciones entre lo estético y lo antiestético. Para el pop toda imagen era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito era ofrecer una nueva interpretación de la imagen en la cultura contemporánea.

 

Ahora bien, el pop esconde una paradoja apasionante: por un lado fue un movimiento innovador que abrió el camino a la posmodernidad, pero a la vez manifestó una clara orientación hacia el pasado. La ambición del pop de conectar con la tradición utilizando nuevos medios artísticos derivados de la televisión, la publicidad o el cómic se concentró sobre todo en la nueva valoración de los estilos y los géneros artísticos y en la reinterpretación de las obras de los maestros antiguos de las que haría homenajes o parodias irreverentes.

Mitos del pop elimina las etiquetas nacionales y presenta el pop art en su conjunto para rastrear las fuentes comunes del pop internacional, con ese espíritu globalizador que tienen nuestra colección y nuestro museo. Desde las obras pioneras de británicos y americanos hasta las derivaciones del pop en Francia, Alemania, Italia y España, queremos dejar claro que, en buena medida, todos ellos compartieron las mismas ambiciones de ruptura con una reflexión sobre el arte y la realidad, el arte y la tradición, o sobre el arte y los museos. Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza

Más información: Museo Thyssen-Bornemisza

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jue

27

mar

2014

El magnífico impresionismo español

Marismas de Ciblaes. Limpias (Santander) (detalle), 1910. Colección privada
Marismas de Ciblaes. Limpias (Santander) (detalle), 1910. Colección privada

Darío de Regoyos (1857-1913)

Hasta el 1 de junio de 2014


Organizada con ocasión del centenario de su fallecimiento, esta exposición presenta una amplia retrospectiva de la trayectoria artística de Darío de Regoyos (Ribadesella, Asturias, 1857-Barcelona, 1913), principal representante español del impresionismo, con más de cien obras que muestran las diversas formas de expresión, los intereses temáticos y la evolución estética de toda su carrera.

 

La originalidad cromática y la audaz representación de los fenómenos lumínicos y atmosféricos hacen de los paisajes de Regoyos uno de los episodios más innovadores del panorama artístico español del momento. Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza

Más información: Museo Thyssen-Bornemisza

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dom

02

mar

2014

Los 'paisajes interiores' de Picasso

©Getty Images
©Getty Images

Picasso. En el taller

Hasta el 11 de mayo de 2014

 

Picasso. En el taller reúne cerca de 80 lienzos, 70 dibujos y grabados, 26 fotografías y una decena de paletas del artista que permiten apreciar el modo en que el taller de Picasso se convierte en el centro sobre el que gravita toda su creación, el lugar en el que se entrelaza su arte y su vida.

 

La muestra se inicia con el famoso Autorretrato con paleta, de 1906, y concluye con el también autorretrato Hombre en el taburete, de 1969, presentado por única vez en el Palais des Papes de Aviñón en 1970. Entre ambas obras, en las que Picasso se autorrepresenta como pintor y mirando fijamente al espectador, transcurren más de 60 años de su vida artística en los que el artista trabaja en diferentes estudios como en Le Bateau-Lavoir, Boulevard de Clichy, Boulevard Raspail, La Boétie, Boisgeloup, La Californie y, finalmente, Mougins. En todos ellos el taller deviene, al mismo tiempo, espacio de experimentación y motor de reflexión sobre el ritual y el trabajo del artista en la tradición pictórica. Sus talleres se convierten en “paisajes interiores” – tal como él mismo los llamaba – en recintos sagrados, que representan la crónica de las variaciones estilísticas e iconográficas de Picasso.

 

El taller de Picasso es campo de pruebas y hogar donde da rienda suelta a la creación, así como a su pasión por las mujeres que le acompañan a lo largo de su vida. Estos entornos resultan determinantes; en todos ellos, por ejemplo, hacía un frío terrible y el artista llegó a quemar dibujos para entrar en calor.

 

Picasso mantenía que el taller de un pintor ha de ser como un laboratorio. El cambio que implica la continua experimentación es una de sus constantes. La curiosidad y el afán de descubrimiento del artista fueron una pauta vital que marcó toda su vida y obra, haciendo que evolucionara y superara su propia concepción de cómo quería y debía pintar en cada momento de su vida. Fuente: Fundación Mapfre

Más información: Fundación Mapfre

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sáb

08

feb

2014

Cézanne, maestro dentro y fuera

Cézanne site/non-site

Del 4 de febrero al 18 de mayo de 2014


En 1969, el artista Robert Smithson propuso una nueva interpretación de la obra de Paul Cézanne (1839-1906). Para Smithson, la pintura de Cézanne había sido tergiversada por los cubistas, reduciéndola a un juego de formas casi abstracto. Frente a esa simplificación formalista, Smithson subrayaba la necesidad de recobrar la referencia física en la obra del pintor; su fuerte vinculación con ciertos lugares del territorio provenzal.

El subtítulo de la exposición, site/non-site, evoca una pareja de conceptos forjada por Smithson en su propia creación, planteando la dialéctica entre el trabajo al aire libre y el estudio. Esta dialéctica se refleja a su vez en la relación entre paisaje y naturaleza muerta. En la obra de Cézanne, el paisaje es el género dominante, identificado (como en sus compañeros impresionistas) con la práctica de la pintura al aire libre. Pero, a diferencia de los impresionistas, Cézanne otorga también una importancia decisiva a un género propio del taller: la naturaleza muerta. Cézanne cultivará ambos géneros pictóricos a lo largo de toda su carrera y establecerá una íntima conexión entre ellos, introduciendo en sus bodegones elementos paisajísticos y, recíprocamente, llevando a sus paisajes el orden de la naturaleza muerta. Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza.

Más información: Museo Thyssen

 

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mié

15

ene

2014

Y la inspiración llegó del Japón

Alexandre de Riquer, Crisantemos, 1899. Colección particular
Alexandre de Riquer, Crisantemos, 1899. Colección particular

 

Japonismo. La fascinación por el arte japonés

Hasta el 16 de febrero de 2014

 

El Japonismo, una de las expresiones artísticas más ricas y poliédricas del siglo XIX, es un movimiento artístico muy conocido internacionalmente. El interés por Japón se extendió por toda Europa durante la segunda mitad del siglo XIX gracias a iniciativas de alcance internacional tan influyentes como el establecimiento y los productos art nouveau de Siegfried Bing, que dejó su impronta en la obra de artistas del impresionismo, del posimpresionismo, del simbolismo e incluso de la vanguardia.

 

El japonismo en España nació hacia la década de 1870 y tuvo su periodo de mayor influencia a finales de siglo y alrededor de los grandes artistas del Modernismo, con una gran riqueza de propuestas estéticas y con obras tan diversas como las de Marià Fortuny, Pablo Picasso o Joan Miró. En este sentido, España, y especialmente Cataluña, dispone de un corpus de obras japonistas muy abundante, pero todavía muy poco conocido. Fuente: CaixaForum Madrid

Más información: CaixaForum Madrid

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jue

09

ene

2014

Furias: pintar lo más difícil

Prometeo encadenado, Pedro Pablo Rubens y Frans Snyders, Philadelphia Museum of Art
Prometeo encadenado, Pedro Pablo Rubens y Frans Snyders, Philadelphia Museum of Art

Las Furias. De Tiziano a Ribera

Del 21 de enero al 4 de mayo de 2014

 

 

Se conoce como Furias a cuatro personajes de la mitología clásica: Ticio, Sísifo, Ixión y Tántalo, que figuraban entre los muchos condenados que poblaban el Hades grecolatino. Fue sin embargo en el Renacimiento cuando estos personajes cobraron entidad como conjunto. Su irrupción como tal en la historia del arte se fecha a mediados del siglo XVI y fue responsabilidad de María de Hungría, hermana de Carlos V y gobernadora de los Países Bajos, quien solicitó en 1548 a Tiziano cuatro grandes lienzos con estos personajes para su palacio en Binche, a las afueras de Bruselas. La elección del tema respondía a intereses políticos, pues las Furias, eternamente castigadas por desafiar a los dioses, simbolizaban a los príncipes alemanes que se había rebelado contra Carlos V y a quienes éste había derrotado en 1547.

 

Las Furias, como conjunto, disfrutaron de notable protagonismo en los 150 años posteriores, durante los cuales asumieron diversos significados además del político inicial. Desde finales del siglo XVI, tanto en los Países Bajos como en Italia, se consideró un tema idóneo para ilustrar tanto la dificultad máxima en el arte (eran enormes figuras desnudas de poderosa musculatura en complicados escorzos), como para representar el dolor extremo, asunto muy afín a la sensibilidad barroca.

 

El objetivo de la exposición es mostrar el nacimiento, evolución y ocaso de este tema en el arte europeo entre 1550 y 1700 a través de una veintena de obras de artistas italianos, flamencos, holandeses y españoles, entre los que figuran el citado Tiziano, Miguel Ángel, Cornelis van Haarlem, Rubens, Ribera, Salvator Rossa o Langhetti. Las diversas obras se distribuirán en torno a una copia del Laoconte, exemplum doloris por excelencia y fuente de inspiración declarada de la mayoría de estos artistas.

 

La exposición será comisariada por Miguel Falomir, jefe del departamento de pintura italiana y francesa del Museo y autor del catálogo que la acompañará. Fuente: Museo del Prado

Más información: Museo del Prado

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mié

18

dic

2013

Paisajes maravillosos

Asher B. Durand, Un arroyo en el bosque, 1865
Asher B. Durand, Un arroyo en el bosque, 1865

El ritmo de la tierra. Paisaje holandés del siglo XVII y americano del XIX

Hasta el 6 de enero de 2014

 

Entre las colecciones que guarda el Museo Thyssen-Bornemisza hay dos que destacan por su riqueza y por su aportación al panorama museístico español: la pintura holandesa del Siglo de Oro y la pintura norteamericana del siglo XIX. La primera es un conjunto bien articulado y plural de los géneros que se producen en Holanda en el siglo XVII, y la segunda constituye un hecho excepcional fuera de los museos de América del Norte. Este capital artístico ha hecho
posible la séptima entrega de la serie Miradas Cruzadas, donde se van a contrastar obras de ambas escuelas y donde el visitante encontrará, pese a la diferencia de siglos, de estilos y de lenguajes artísticos, tanto sorprendentes afi nidades como reveladoras divergencias.
La influencia del paisaje holandés sobre el americano constituyó un breve pero clarificador apartado del conocido libro de Barbara Novak titulado Nature and Culture. American Landscape and Painting 1825–1875. Novak, en un contexto amplio de conexiones artísticas entre América y Europa, se detiene para analizar el papel que estos pintores del norte jugaron en el Nuevo Mundo. Artistas y público en general tuvieron ocasión de ver de primera mano óleos de paisajistas como Jan van Goyen (Leiden, 1596-La Haya, 1656), Aelbert Cuyp (Dordrecht, 1620-1691), Jacob Ruisdael (Haarlem, 1628/1629-Ámsterdam (?), 1682), Meindert Hobbema (Ámsterdam, 1638-1709) y otros muchos en exposiciones organizadas por instituciones americanas como el Boston Athenaeum, o a través del coleccionismo privado, que reunió ejemplos de los mejores artistas holandeses. Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza.
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mar

12

nov

2013

El árbol genealógico del surrealismo

Herbert Bayer, Urbanita solitario, 1932. Colección Dietmar Siegert
Herbert Bayer, Urbanita solitario, 1932. Colección Dietmar Siegert

Surrealistas antes del surrealismo. La fantasía y lo fantástico en la estampa, el dibujo y la fotografía.

Hasta el 12 de enero de 2014

 

Exposición integrada por una selección de cerca de 200 dibujos, grabados, fotografías, libros y revistas, que abarca desde el medievo tardío hasta el surrealismo. Organizada en colaboración con el Germanisches Nationalmuseum de Núremberg y comisariada por Yasmin Doosry, presenta, entre otras, obras de Martin Schongauer, Alberto Durero, Erhard Schön, Matthias Zündt, Wenzel Jamnitzer, Hendrick Goltzius, Jaques Callot, Giovanni Battista Piranesi, Francisco de Goya, Max Klinger, Alfred Kubin, Paul Klee, Hannah Höch, Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Herbert Bayer, Hans Bellmer, André Masson, Brassaï y Maurice Tabard.

 

Esta muestra sigue el rastro de la legendaria exposición que, con el título de Fantastic Art, Dada, Surrealism, Alfred H. Barr, director fundador del Museo de Arte Moderno de Nueva York, organizó hace 75 años, en la que se confrontaban por vez primera obras de artistas contemporáneos con obras de Hieronymus Bosch, Giuseppe Arcimboldo, Giovanni Battista Piranesi, William Hogarth, Francisco de Goya, Grandville y otros artistas, con el propósito de dotar de un árbol genealógico histórico al surrealismo. Sin duda, la sensibilidad artística y los procedimientos de los surrealistas aguzaron la mirada sobre una larga tradición de arte de la subjetividad, la que va desde el Medievo tardío hasta la modernidad pasando por el manierismo y el barroco.

 

Las obras expuestas proceden en su mayoría de los fondos de la colección de obra gráfica del Germanisches Nationalmuseum, además de obras de la Fundación Juan March y de significativas colecciones públicas y privadas españolas y europeas. Fuente: Fundación Juan March

Más información: Fundación Juan March

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mié

16

oct

2013

La experiencia de dibujar y viajar

Alegoría de las Artes, José del Castillo. Cuaderno italiano I, p. 3, 1762
Alegoría de las Artes, José del Castillo. Cuaderno italiano I, p. 3, 1762

Roma en el bolsillo. Cuadernos de dibujo y aprendizaje artístico en el siglo XVIII

Del 15 de octubre al 19 de enero de 2014

 

Entre 1758 y 1764, un grupo de ocho jóvenes fueron pensionados en Roma por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con el fin de perfeccionar su formación artística. Durante su estancia, y siguiendo las instrucciones de la Academia, los estudiantes adquirieron cuadernos de dibujo en los que debían copiar las obras de la Antigüedad y de los maestros Renacimiento y el Barroco. Paralelamente, asistieron a la Accademia del Nudo en el Campidoglio donde también dibujaron modelos del natural.

 

Los pequeños cuadernos de dibujo, llamados en italiano 'taccuini', servían para tomar apuntes y hacer estudios del natural, pero también para tomar anotaciones de otro tipo o escribir diarios de viaje. Constituían en instrumento obligado de aprendizaje en el que quedaban registradas todas aquellas obras que debían constituir un punto de referencia en su futuro quehacer artístico, permitiendo apreciar los intereses artísticos de su época a través de la copia de diversas obras de arte conservadas en la capital italiana. Constituyen por tanto una fuente de información de primera mano para entender el contexto artístico y personal de la época.

 

Secciones de la exposición

Roma y sus itinerarios.

A través de dos magníficas vistas de Roma de Giuseppe Vasi y Juan de Villanueva se pretende establecer el contexto urbano que rodeó a los jóvenes artistas en su periplo italiano. Se incluyen también dos Itinerarios de Roma de Mariano Vasi, que sirvieron de guía para muchos de los viajeros que se acercaban a la ciudad eterna a finales del siglo XVIII.

La Academia de San Fernando y las pensiones en Roma.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando posibilitó estos viajes de estudios a través de sus pensiones. En esta segunda sección, se presentan diversos documentos y libros relacionados con todas las fases del proceso, desde la selección de los alumnos a las instrucciones que regulaban su estancia, así como el control económico.

Los pensionados en Roma y el dibujo académico

Los estudiantes que habían sido seleccionados para disfrutar de las pensiones de la Real Academia en Roma, desarrollaban su formación a través de los sistemas académicos imperantes en la época. Se reúne en esta sección un conjunto de dibujos o academias realizados por diferentes artistas como José del Castillo, Antonio Martínez Espinosa o Mariano Salvador Maella, en torno a unos mismos modelos que se repiten desde diferentes puntos de vista. El estudio de las tipologías de estas academias, que enviaban a Madrid, muestra el modo de dibujar y los objetivos que se buscaban en las sesiones de dibujo.

Cuadernos de dibujo

Finalmente, se presenta una espléndida colección de cuadernos de dibujo de artistas españoles y extranjeros, que nos muestran la vertiente más libre del aprendizaje de los pensionados en Roma quienes, mediante la observación del natural, seleccionan y representan en sus cuadernos aquellos elementos o composiciones que más les interesan de la propia ciudad.

 

Del grupo de los primeros pensionados se exponen los cuadernos romanos que se conservan de cinco de ellos: Domingo Álvarez Enciso, Antonio Primo, Domingo Antonio Lois, Salvador Maella y José del Castillo. Un conjunto excepcional que permite comprender los intereses y el modo de trabajo durante su estancia en Roma y al que se une un cuaderno de Goya que, aunque un poco posterior y surgido de un viaje privado, supone un ejemplo más personal frente al carácter más oficial y reglado de los académicos. Junto a ellos, cuadernos de otros artistas europeos en Roma permiten afirmar que el estudio de la Antigüedad y de las obras de arte del Renacimiento y el Barroco y el modo de plasmar sus anotaciones y apuntes son puntos comunes, independientemente de la nacionalidad del artista. Fuente: Museo del Prado

Más información: Museo del Prado

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lun

07

oct

2013

Méliès, el mago de la imagen

Vers les étoiles [Hacia las estrellas], 1906. © Cinémathèque Française. Foto: Stéphane Dabrowski
Vers les étoiles [Hacia las estrellas], 1906. © Cinémathèque Française. Foto: Stéphane Dabrowski

Georges Méliès. La magia del cine

Hasta 8 de diciembre de 2013

 

Georges Méliès (1861-1938) fue dibujante, mago, director de teatro, actor, decorador, técnico y también productor, realizador y distribuidor de más de 500 películas entre 1896 y 1912. Reinó en el mundo del género fantástico y del trucaje cinematográfico durante casi veinte años y su contribución al séptimo arte fue fundamental: introdujo el sueño, la magia y la ficción en el cine, cuando este se hallaba aún en sus inicios y era casi exclusivamente documental. El acto fundacional de Méliès consistió en combinar el universo de Robert-Houdini y la cinematografía de Marey y de los hermanos Lumière. Como genio de los efectos especiales, Méliès aplicó al cine la técnica del ilusionismo y de la linterna mágica: pirotecnia, efectos ópticos, desplegables horizontales y verticales, pasos de manivela, fundidos encadenados, sobreimpresiones, efectos de montaje y de color... Es como si este virtuoso de la técnica lo hubiese inventado y utilizado todo. Esta exposición demostrará que la génesis del mundo meliesiano se encuentra en los propios orígenes del cine. Gracias a la impresionante colección de películas, dibujos, máquinas, vestuario y objetos que conserva la Cinémathèque Française, conoceremos la gran diversidad de su obra y profundizaremos en sus raíces culturales, estéticas y técnicas. ¿De dónde viene Méliès? ¿Cómo forjó su extraordinario universo? ¿Cuáles fueron sus fuentes de inspiración? La presente muestra da respuestas a todas estas cuestiones. La obra de Méliès sigue vigente en nuestros días, en especial en las producciones de los grandes creadores de Hollywood, porque, como él mismo afirmó en 1933, “¿Quién puede vivir sin féerie, sin un poco de fantasía?”.

La exposición explica por primera vez las raíces culturales, estéticas y técnicas de Méliès y nos demuestra que los orígenes de su mundo se encuentran en los orígenes del cine: sombras animadas, linterna mágica, fantasmagoría, cronofotografía, ilusionismo, magia y fantasía.

El visitante viajará al mundo extraño, agitado y animado de uno de los creadores más importantes de la historia del cine, asistiendo a su nacimiento. Marcarán el ritmo de la muestra proyecciones, aparatos cinematográficos en funcionamiento y objetos únicos, como por ejemplo la primera cámara de Méliès o el vestuario original de Viaje a la Luna. Los objetos presentes en la exposición pertenecen a la Cinémathèque Française. Fundada en 1936, dispone de la colección más importante a escala mundial de dibujos, películas, aparatos, vestuarios y objetos de Georges Méliès, así como de un extenso y valioso fondo de objetos e imágenes relacionados con los inicios del cine. Fuente: CaixaForum

Más información: CaixaForum

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mié

25

sep

2013

Preciosismo y refinamiento en pequeño formato

Fortuny Marsal, Mariano; Madrazo y Garreta, Raimundo de. Jardín de la casa de Fortuny. Hacia 1872
Fortuny Marsal, Mariano; Madrazo y Garreta, Raimundo de. Jardín de la casa de Fortuny. Hacia 1872

La belleza encerrada. De Fra Angelico a Fortuny

Hasta 10 de noviembre de 2013

La exposición reúne 281 obras de las colecciones del Museo del Prado que tienen como denominador común su pequeña dimensión y unas características especiales de riqueza técnica, preciosismo, refinamiento del color y detalles escondidos que invitan a la observación cercana de estos cuadros de gabinete, bocetos preparatorios, pequeños retratos, esculturas y relieves. La mitad de las obras expuestas no se han visto con regularidad en el Prado en los últimos años. Conservadas en los almacenes o depositadas en otras instituciones, han cedido el paso con humildad a otras más famosas y populares que han brillado sin perder nunca su luz en la colección permanente, aunque no por ello son menos interesantes ni menos bellas. La singularidad del Museo reside en la elevada calidad de sus colecciones, en el sorprendente buen estado de conservación de sus obras y en la variedad de lo acumulado a lo largo de los siglos por los sucesivos monarcas y por las adquisiciones conseguidas por quienes tomaron el relevo del enriquecimiento artístico de la institución desde el siglo XIX.

Las obras expuestas se ordenan a lo largo de diecisiete salas en las que se da prioridad a la cronología, a través de un intenso recorrido que comienza a fi nes del siglo XIV y principios del siglo XV en Italia, Francia y los Países Bajos, y culmina a fi nes del siglo XIX en España. Ese concentrado paseo sin escapatoria aviva en el espectador la conciencia del paso del tiempo, que une el pasado con el presente y descubre, además, la singularidad y riqueza del Museo del Prado actual. Por otra parte, las relaciones entre las expresiones artísticas de unos y otros países revelan similitudes y divergencias técnicas y estilísticas de la mano de artistas del máximo relieve; los diálogos entre las obras hablan de las influencias ajenas o de la reafi rmación del sentimiento de lo propio. En determinados casos, los temas toman la iniciativa y se enfoca con mayor intensidad lo representado que a los artistas y sus estilos particulares, invitando al espectador a refl exionar sobre el modo en que los pintores del norte y los del sur entienden una misma iconografía, en una visión totalizadora del arte europeo y de su significado desde la Edad Media y el Renacimiento, a través del Barroco y del rococó, hasta el naturalismo que dará paso al siglo XX. Fuente: Museo del Prado

Más información: Museo del Prado

 

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jue

19

sep

2013

Realismo a la italiana

Telemaco Signorini. La sirga, en Le Cascine de Florencia [Detalle]. 1864
Telemaco Signorini. La sirga, en Le Cascine de Florencia [Detalle]. 1864
Macchiaioli. Realismo impresionista en Italia
Hasta 5 de enero de 2014
 

En Florencia, hacia 1855, un grupo de jóvenes pintores emprende la búsqueda de un arte nuevo. Se oponen decididamente a la pintura académica y al romanticismo histórico, su marco de formación, y persiguen lo verdadero en el arte asumiendo como práctica predilecta la pintura al aire libre.

 

En sus pinturas, pequeñas en cuanto a formato pero monumentales en su concepción, crean una sincera e innovadora visión del paisaje toscano, con fuertes contrastes lumínicos captados mediante la yuxtaposición de manchas de color. Entre sus principales protagonistas destacan Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Giovanni Boldini o Odoardo Borrani, todos ellos unidos en torno al crítico y mecenas Diego Martelli.

Conocidos como los macchiaioli («manchistas») —un nombre en origen peyorativo en alusión a la esbozada esencialidad de sus pinturas—, protagonizan uno de los capítulos más brillantes de la modernización de la pintura europea, adelantándose a buena parte de las premisas proclamadas posteriormente por los impresionistas.

 

La muestra ha sido co-producida por FUNDACIÓN MAPFRE y los museos de Orsay y de L’Orangerie, París. La exposición reúne cerca de 100 obras procedentes de las más prestigiosas colecciones públicas y privadas italianas, entre las que destacan la Galleria d’Arte Moderna del Palazzo Pitti, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, Galleria d´Arte Moderna de Milán, la Fondazione Musei Civici di Venezia, la Galleria Internazionale d´Arte Moderna di Ca’Pesaro de Venecia, el Museo Civico Giovanni Fattori, de Livorno y el Istituto Matteucci de Viareggio, entre otras.

 

Se trata de la primera exposición realizada en España en torno a este movimiento, a pesar de la importancia e influencia que tuvieron los macchiaioli en la pintura española de finales del siglo XIX. Al mismo tiempo se presentará un pequeño conjunto del pintor español Mariano Fortuny, porque desde un planteamiento claramente distinto, compartió con ellos algunos puntos de vista y algunas maneras. Fuente: Fundación Mapfre

Más información: Fundación Mapfre

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lun

09

sep

2013

Pissarro: entre el campo y la ciudad

Camille Pissarro. El bosque de Marly. 1871
Camille Pissarro. El bosque de Marly. 1871

Pissarro

Hasta 15 de septiembre de 2013

 

«Humilde y colosal», como le llamó su amigo Cézanne, Camille Pissarro (Santo Tomás, Islas Vírgenes, 1830 - París, 1903) es quizá la figura fundamental del impresionismo y al mismo tiempo la menos reconocida de ese movimiento. Como mentor del grupo, en 1873 redactó los estatutos de la cooperativa de artistas que iniciaría las exposiciones impresionistas, y fue el único pintor que participó en todas ellas, desde 1874 hasta 1886. Pero la carrera de Pissarro sería eclipsada por el inmenso éxito de su amigo Claude Monet.


Esta primera retrospectiva del artista en España está centrada en el paisaje, tanto rural como urbano, el género abrumadoramente dominante en la producción de Pissarro. La muestra, que presenta 79 óleos, se articula cronológicamente en función de los lugares donde residió y que inspiraron su pintura. Pueblos como Louveciennes, Pontoise y Éragny, pero también ciudades como París, Londres, Rouen, Dieppe y Le Havre, pues, aunque su obra se asocie habitualmente a la vida rural, a la que dedicó más de tres décadas, en sus últimos años se trasladó al medio urbano, y su producción de entonces está dominada por las vistas de ciudades. Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza

Más información: Museo Thyssen-Bornemisza

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mar

03

sep

2013

Ukiyo-e: estampas del mundo flotante

Hiroshige, Utagawa; Kihei, Sanoya. Fiesta de contemplación de los cerezos en flor en Asukayama (Asukayama hanami). 1830-1843
Hiroshige, Utagawa; Kihei, Sanoya. Fiesta de contemplación de los cerezos en flor en Asukayama (Asukayama hanami). 1830-1843

Estampas japonesas

Hasta 13 de octubre de 2013

 

El Museo del Prado muestra, por primera vez al público, una selección propia de estampas japonesas de los siglos XVII al XIX representativa de las distintas técnicas y tipologías. La mayor parte de ellas fueron adquiridas en 1936 por el Museo de Arte Moderno, integrándose posteriormente en las colecciones del Prado.

 

La exposición, ordenada cronológica y tipológicamente, comienza con las estampas más antiguas que posee el Museo. La primera de ellas data de finales del siglo XVII y consiste en una escena impresa con tinta negra a partir de un solo taco de madera donde su autor, Torii Kiyonobu, muestra una escena de la obra de teatro Daifukucho sankai Nagoya representada en Edo a principios de 1697. En el segundo grabado de la muestra, ya en 1760, Ishiwaka Toyonobu representa la escena de una buceadora recolectora de orejas de mar en una estampa impresa con dos tacos de madera estampados con tinta de dos colores (benizuri) en la obra Pescadora de orejas de mar y niño.

 

El resto de los grabados de la exposición aparecen ya realizados mediante la técnica de múltiple impresión de tacos de madera a color (nishiki-e). Las primeras estampas polícromas son dos escenas de los Cuentos de Ise realizadas entre 1770 y 1780 por Katsukawa Shunshô. La era Kansei, uno de los momentos culminantes de la estampa japonesa, también está presente en la muestra de la mano de algunos de los artistas de mayor prestigio de Edo como Kitagawa Utamaro con Dos jóvenes mujeres con abanico, Kubo Shunman con Escena campestre y Katsushika Hokusai con Kameido tenjin, una vista del Templo de Kameido.

 

 

Ya en los albores del siglo XIX hay que destacar una estampa de guerra que representa la rebelión de Hôgen, firmada por Katsukawa Shuntei, y el retrato de una cortesana de Yoshiwara obra de Kikugawa Eizan. Utagawa Hiroshige, un artista que gozaba de gran popularidad en Occidente gracias al japonismo, también está representado, con siete estampas de paisajes, en esta muestra que finaliza con una panorámica del lago Shinobazu de Chikanobu y un tablero de Sugoroku, un juego de mesa similar al de la oca. Fuente: Museo del Prado

Más información: Museo del Prado

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jue

02

may

2013

El asombro del hiperrealismo

Richard Estes, Nedick's. 1970. Óleo sobre lienzo. 121,9 x 167,6 cm. Propiedad: Colección Carmen Thyssen-Bornemisza
Richard Estes, Nedick's. 1970. Óleo sobre lienzo. 121,9 x 167,6 cm. Propiedad: Colección Carmen Thyssen-Bornemisza

Hiperrealismo 1967-2012

Hasta 9 de junio 2013

 

Esta exposición propone por primera vez en España un recorrido por la genealogía de este movimiento desde sus inicios hasta la actualidad. El hiperrealismo nació en Estados Unidos a finales de los años sesenta y fue bautizado por Louis K. Meisel con el nombre de photorealism. Su definición establecía que eran “fotorrealistas” aquellos artistas que empleaban la cámara fotográfica sin reparos como instrumento para la pintura, trasladaban al lienzo la imagen empleando recursos mecánicos, semimecánicos o técnicos, con una ejecución minuciosa que permitía la realización de pinturas cuya nitidez producía una ilusión fotográfica. El nuevo movimiento heredaba del pop la pasión fetichista por los escaparates, los automóviles y las motos relucientes, los diners, la arquitectura art decó, la iconografía kitsch y la fascinación por pintar, no las cosas, sino las imágenes estereotipadas de las cosas.


Los hiperrealistas utilizan la cámara fotográfica como herramienta para documentar el día a día de la vida norteamericana, pero también para investigar sobre la percepción y cómo la fotografía ha cambiado nuestra relación con lo que consideramos la realidad objetiva. Partiendo de imágenes fotográficas, estos artistas se recrean por un lado en el close-up, en la más extrema proximidad, en los detalles agigantados, como los tubos de pintura de Audrey Flack o los juguetes de hojalata de Charles Bell. Y por otro lado, en el paisaje panorámico: desde Richard Estes hasta Ben Johnson, toda una línea de pintores que se han consagrado, emulando a Canaletto o Bellotto, a una reinvención del vedutismo en las ciudades actuales.


El hiperrealismo tuvo su consagración en la Documenta 5 de Kassel en 1972 dirigida por Harald Szeemann y desde entonces muchos artistas han continuado trabajando con esta técnica ampliando el abanico de motivos y herramientas. Debido al avance de las tecnologías, la producción hiperrealista más reciente ha conseguido un grado de nitidez en “alta definición”. La muestra cuenta con más de sesenta obras pertenecientes a tres generaciones de artistas, partiendo de los primeros artistas norteamericanos como Richard Estes, John Baeder, Robert Bechtle, Tom Blackwell o Chuck Close, para continuar con su proyección internacional hasta hoy en día.

Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza

 

Museo Thyssen-Bornemisza

Paseo del Prado, 8

Horario

De martes a domingo, de 10.00 a 19.00 horas. Sábados de 10.00 a 21.00 horas.

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jue

25

abr

2013

Uvas y otras naturalezas

Bodegón con cuatro racimos de uvas, 1630-1635
Bodegón con cuatro racimos de uvas, 1630-1635

Juan Fernández el Labrador. Naturalezas muertas.

Hasta 16 de junio 2013

 

La exposición se articula en dos secciones que muestran la evolución del artista en sus composiciones, desde las primeras obras en las que representa exclusivamente racimos de uvas hasta sus últimas pinturas conocidas en las que las uvas se combinan con otros elementos.

Los racimos de uvas son objeto preferente de representación en el género de la naturaleza muerta desde su origen, a fines del siglo XVI y principios del XVII. Con ellos los artistas podían demostrar su maestría captando sus calidades, estructura o madurez. Pero, al mismo tiempo, les servían parar evocar al público culto un remoto episodio que reivindicaba la superioridad de la pintura. Según los textos clásicos, el pintor griego Zeuxis de Heraclea (siglo V a.C.) llegó a realizar con tal fidelidad las uvas que los pájaros acudieron engañados a picotear un cuadro en el que pintó estas frutas.

En sus primeras obras conocidas el Labrador solo utilizó uvas, presentadas de forma desconcertante. Los racimos, minuciosamente detallados, aparecen suspendidos en la oscuridad, violentamente iluminados y eliminada toda referencia espacial. Su aspecto natural y de instantánea reta al ojo del espectador de su época, evidenciando la extraordinaria capacidad mimética de su autor, suficiente para equipararlo a un Zeuxis moderno.

A partir de 1633 el Labrador comenzó a pintar composiciones más complejas en las que las uvas, su verdadera marca de autor, se combinan con otros elementos. Estos bodegones reúnen siempre especies vegetales que fructifican en la misma estación, o que se conservan bien en meses posteriores. Generalmente son productos del final del verano o del otoño, que conviven con los racimos en pequeñas repisas vistas frontalmente y destacadas sobre fondos en sombra. En ellas reina un aparente desorden en el que se añade algún recipiente refinado, de materiales brillantes o coloridos, que marca un sutil contraste con la sencillez de bellotas o castañas.

Estos cuadros constituyen auténticas celebraciones otoñales, en las que la variedad de frutos supone una demostración de humilde abundancia. A este personal repertorio unió en 1635, por sugerencia quizás de sus clientes británicos, la representación de ramos de flores. Con ellas adquirió fama, por su frescura y sensación realista, incorporando así nuevos colores primaverales a su paleta.

 

El sobrenombre “el Labrador” lo adquirió Juan Fernández debido a que vivía en el campo, donde se especializó en cuadros que representaban frutos. Su calidad hizo que fueran apreciados en las cortes inglesa y española, y que el nombre del pintor haya sido mencionado con admiración por los primeros historiadores de la pintura española. Entre esos frutos, desarrollo un especial interés por la descripción de racimos de uvas, que construye con una técnica claroscurista, destacándolos sobre un fondo oscuro y utilizando las luces y las sombras para modelar los volúmenes y crear un poderoso efecto de ilusión y de realidad. A través de esa técnica alcanza una gran capacidad individualizadora, que le permite no sólo precisar las distintas variedades a las que pertenecen las uvas, sino también su diferente estado de maduración.

Fuente: Museo del Prado

 

Museo del Prado

 

Calle Ruiz de Alarcón, 23

 

Horario

Lunes a sábado de 10 a 20h (último acceso a las 19h), domingos y festivos de 10 a 19h (último acceso a las 18h).

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vie

22

feb

2013

Paisaje romántico alemán

Carl Blechen, Iglesia gótica en ruinas, 1829-1831
Carl Blechen, Iglesia gótica en ruinas, 1829-1831

Los espejos del alma. Paisaje alemán en el Romanticismo

Hasta 31 de marzo 2013

 

La muestra se compone de una selección de 20 dibujos y acuarelas de

los representantes más destacados del Romanticismo en Alemania, entre los que se encuentran Caspar David Friedrich, Carl Gustav Carus o Adolf von Menzel. Con ella el Museo del Romanticismo propone un paseo por el paisaje alemán del siglo XIX, a través de la mirada de unos artistas que hicieron del paisaje un “espejo del alma”. Todas las obras proceden del Museum Kunspalast de Düsseldorf, que custodia una importante colección de obra gráfica de los principales pintores románticos alemanes. 

 

La exposición Los espejos del alma. Paisaje alemán en el Romanticismo toma como punto de partida dos ideas fundamentales: los  territorios que hoy componen la actual Alemania como cuna del movimiento romántico; y el género del paisaje como el gran abanderado de éste y el mejor traductor de la sensibilidad romántica.  Una de las principales novedades que trae consigo el Romanticismo es que por primera vez se le otorga al paisaje protagonismo como género artístico en sí mismo. Es considerado por fin tema de la obra de arte, sin la necesidad de servir como marco o acompañamiento de otros asuntos narrativos.  El triunfo de la subjetividad y de la libertad creadora, tan vinculada al pensamiento romántico, hace que el paisaje esté sujeto al estado anímico y a la expresión de los sentimientos y la espiritualidad del artista, que se siente insignificante ante la grandiosidad de la naturaleza. 

 

De la misma manera, también queda patente en la exposición cómo el artista romántico encuentra en el dibujo el mejor vehículo para expresar su arte con toda libertad, frente al lenguaje más oficial de la pintura. Se da en esta época un extraordinario desarrollo de la técnica del dibujo, que llega valorarse también como obra de arte en sí misma, más allá de su consideración como disciplina auxiliar o preparatoria, según la enseñanza académica tradicional. 

 

Con motivo de esta exposición, el Museo ha programado una variada oferta de actividades paralelas durante los meses de enero, febrero y marzo. Para poder participar en las mismas será necesaria la reserva previa.

 

El Museo ofrece visitas guiadas semanales a la exposición, en las que el público podrá conocer de cerca este género pictórico tan característico del siglo XIX, así como los integrantes de las diferentes escuelas románticas alemanas. 

Fuente: Museo del Romanticismo

 

Museo del Romanticismo

San Mateo, 13

 

Horario

De martes a sábado: de 9.30 h. a 18.30 h. Domingos y festivos: de 10.00 h. a 15.00 h.

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jue

21

feb

2013

Lo mejor del Musée d'Orsay, en Madrid

Londres, el Parlamento. Boquete de sol en la niebla, Claude Monet, 1904
Londres, el Parlamento. Boquete de sol en la niebla, Claude Monet, 1904

Impresionistas y postimpresionistas. El nacimiento del arte moderno.
Obras maestras del Musée d'Orsay.

Del 2 de febrero al 5 de mayo de 2013

 

La exposición Impresionistas y postimpresionistas. El nacimiento del arte moderno presenta, a través de 78 grandes obras maestras del Musée d’Orsay, el desarrollo del final del impresionismo y del postimpresionismo.

 

En 1886, se celebra la octava y última exposición del grupo impresionista en la sala de exposiciones del marchante Durand-Ruel. A lo largo de las ocho míticas exposiciones que había presentado el grupo, la concepción tradicional de la pintura había saltado por los aires. Los críticos y el público empezaban a asimilar las novedades estilísticas, y los impresionistas comenzaban a tener cierto renombre. Así, entre 1886 y 1900, asistimos al desarrollo de una modernidad más profunda y radical. El impresionismo evoluciona hacia diferentes actitudes pictóricas, tradicionalmente definidas como postimpresionistas que, en realidad, amplifican el talante provocador del impresionismo definiendo los principios estilísticos que abrirán los lenguajes de las vanguardias del siglo XX.

 

La muestra se inicia con las primeras series de Monet (Los almiares, Los álamos y Las catedrales), y termina con los trabajos decorativos de Vuillard en los Jardines públicos. Entre ambos hitos se presentan los trabajos de Renoir en torno a las bañistas, el desarrollo del neoimpresionismo —con obras de Seurat, Signac o Pissarro—, el constructivismo de Cézanne, el retrato de los bajos fondos por parte de Toulouse-Lautrec, la huida de Gauguin y sus amigos a Bretaña, la creación del grupo de los Nabis con Serusier, Maurice Denis, Bonnard y Vallotton, y la locura de Van Gogh en Arles.

Fuente: Fundación Mapfre

 

Sala Recoletos de la Fundación Mapfre

Paseo de Recoletos, 23

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jue

21

feb

2013

Taller de pintura al aire libre

Paisaje de río, Bretagne, Pierre-Henri de Valenciennes
Paisaje de río, Bretagne, Pierre-Henri de Valenciennes

Pintar al aire libre. Técnicas y recursos de pintura en plein air.

15, 16 y 22 de marzo de 2013

 

Coincidiendo con la exposición Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh, en el Museo Thyssen-Bornemisza, tendrá lugar el segundo taller de arte para adultos de iniciación a las técnicas pictóricas, relacionado con los métodos de trabajo, los materiales y los temas abordados por los artistas presentes en esta muestra.

 

Pintar al aire libre es el título que hemos elegido para este taller en torno a esta exposición que analiza el papel de la pintura al aire libre como motor de la renovación plástica del siglo XIX a través de unas 100 obras que abarcan de finales del s XVIII a comienzos del s XX; desde los iniciadores del paisaje al aire libre, como Pierre-Henri de Valenciennes y Thomas Jones, a artistas como Turner, Constable, Corot, Rousseau, Courbet, Daubigny y todos los grandes maestros del impresionismo, hasta llegar al cambio de siglo con Van Gogh o Cézanne, entre otros.

 

Este curso consta de tres sesiones que tendrán lugar los días 15,16 y 22 de marzo de 2013. El programa está formado por una visita a la exposición temporal, una sesión de trabajo al aire libre y una sesión de iniciación a las técnicas pictóricas. El taller está organizado por el Área de Educación del Museo Thyssen-Bornemisza y cuenta con la colaboración del Artist Outreach Program. El taller de técnicas artísticas será impartido por Arantxa Serraller González resident artist de Winsor and Newton, Liquitex y Conté à Paris. Para las visitas y el trabajo en sala contaremos con educadores del Área. Todos los materiales necesarios para la realización del curso están incluidos en la matricula.

 

Notas importantes

¿A quién va dirigido?
A estudiantes universitarios y público en general.

Horario
Viernes 15 de 15.30 a 18.30 h.
Sábado 16 de 10.00 a 14.00 h.
Viernes 22 de 16.00 a 19.00 h.

Matrícula
A partir del 25 de febrero estudiantes y Amigos del Museo (30 €).
A partir del 1 de marzo público general (40 €).

 

Museo Thyssen-Bornemisza

Paseo del Prado, 8

Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza

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